Síntesis del Barroco

Contexto Histórico Social

España tuvo un período de grave crisis política, militar, demográfica, económica y social en el siglo XVII que lo convirtió en un imperio de 2° rango.

Francia aprovecho la debilidad militar española y se expandió por Europa.

La sociedad española XVII escendida: La nobleza y el clero, mientras que los campesinos fueron arrastrados a la ciudad por su grave crisis.

Se duplicó el número de eclesiásticos en España.

España entra en crisis y decadencia, por guerras con Francia y enfermedades y dificultades económicas con sus colonias americanas (crisis de la minería). Descenso en la población y migración a américa.

España pierde la hegemonía económica política y militar

Emergen países como Francia, Inglaterra y Holanda, fortaleciendo sus flotas navales para controlar el comercio e impulsar la creación de industrias mediante políticas proteccionistas. Nueva etapa, Neocolonialismo

La iglesia entra en crisis por corrupción y pierde poder ante los movimientos protestantes (Martín Lutero) movimientos que se extienden por el norte de Europa

Pensamiento Filosófico

Personajes del pensamiento racionalista como Descartes, Galileo Galilei y Leibniz relegaron la posibilidad de un saber revelado y defendieron que la razón es la principal fuente del conocimiento humano.

Gracian presentó la teoría y definición del conceptismo índice, sobre todo en el plano del pensamiento.

La influencia del racionalismo en España fue muy limitada, razón por la cual se registro un pesimismo hacia la naturaleza humana, todo por el escepticismo de aquella época.

Descartes consiste en que él inicia la tradición del Racionalismo, poniendo en duda la Filosofía Medieval e inaugurando un nuevo camino, Descartes fue el primer pensador moderno.

Galileo G desarrolla los fundamentos de la astronomía moderna

El ambiente de crisis provoca una actitud de esceptismo en la relación con los dogmáticos religiosos, surgiendo pensadores que confían en la razón y la ciencia

Descartes

Galileo

Pascal

Leibniz

Spinoza

Kepler

Newton

Bacón

Defendieron la postura que la razón (matemáticas) es la principal fuente del conocimiento humano y la experimentación del conocimiento científico.

Ciencia y Tecnología en el Barroco

La tecnología y la ciencia hicieron la realidad marginal en organización  y contexto social de España.

Galileo Galilei fue uno de los fundadores del método experimental, enunció la caída de los cuerpos y la teoría heliocéntrica por el que fue sometido a un proceso inquisitorial.

Barroco fue una época de progreso para las ciencias. En matemáticas los números arábigos desplazaron a los romanos.

Neper invento los logaritmos y progresaron las notaciones y los cálculos infinitesimales.

El físico Newton estableció las bases de la mecánica elástica y gravitación universal.

Blaise Pascal creo la pascalina (antecesor de la calculadora) prensa hidráulica y la jeringuilla, aclaro algunos conceptos y sobre el vacío.

Huygens estableció la teoría ondulatoria de la luz, estudió el movimiento del péndulo y la fuerza centrifuga.

Descartes creo la geometría analítica, creador de las coordenadas cartesianas.

Ceiniz (Alemán) descubrió el cálculo infinitesimal, sistemas binario, fundamento virtualmente todas los arquitecturas e loas computadoras actuales.

Origen

En el siglo XVI se da inicio a la reforma protestante, consistió en que varios religiosos, pensadores y políticos intentaron provocar un cambio profundo en las costumbres de la iglesia católica en Europa Occidental, buscando la revitalización del cristianismo primitivo.

Habiendo perdido gran cantidad de creyentes, los papados de roma, se vieron obligados a contestar, con otro movimiento la contrarreforma” para recuperar y convencer a creyentes que reformaran sus anteriores costumbres.

En el movimiento de la contrarreforma, los papas intentaron hacer de su iglesia un concepto de atracción, utilizando el arte.

Bernini y barromini, cansados de las tendencias eclesiásticas en la arquitectura, le dieron movimiento y vivacidad con curvas, bernini siendo gran escultor incrusto en la arquitectura, algo de estas.

Tras la mesura del Renacimiento y el retorcimiento estético del Manierismo, en la Roma de los Papas se advierte la necesidad de un arte nuevo

Tiene como antecedente el renacimiento y el manierismo, surge ante la necesidad de un arte nuevo, como estrategia de la iglesia y el poder para recuperar la influencia.

Surge en roma- Italia, en el siglo XVI y se desarrolla en el siglo XVII por toda Europa y en América.

Los pioneros del estilo Barroco son los italianos Bernini y Borromini, en escultura y arquitectura, carraci y caravaggio en pintura.

Giovanni Battista Lorenzo Bernini 1598- 1680

Fue uno de los artistas más sobresalientes del barroco italiano. Su actividad artística no se reduce a la escultura, también fue un gran arquitecto, pintor, dibujante y escenógrafo; concibió espectáculos de fuegos artificiales, realizó monumentos funerarios y fue autor teatral. Su arte es la quintaesencia de la energía y solidez del barroco en su apogeo.

Franceso Borromini (1599 - 1667)

Excepcional arquitecto italiano del s. XVIII padre de la arquitectura barroca en sus más atrevidas formas. Su obra considerada excéntrica por sus contemporáneos romanos, dejó escasa huella en la Ciudad Eterna, pero ejerció, en cambio, un extraordinario influjo en el norte de Italia (Guarini), influjo que se extendió a toda Europa durante la siguiente centuria. Vittone en Savoya, Meissonnier en Francia, Galli Bibiena en Austria, J. M. Fischer y Neumann en Alemania, Bonavia y Ventura Rodríguez en España, y Ludovice (Ludwig) en Portugal, fueron los principales imitadores y propagadores de su estilo

Pietro de Cortona pertenece al período inicial del barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del Alto Barroco, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.

 

Barroco en España

Barroco en España es un concepto de la historiografía del arte, de la literatura y de la música, y genéricamente de la historia de la cultura^[] que se utiliza para clasificar y definir las manifestaciones culturales de la época del Barroco (aproximadamente el siglo y medio entre 1600 y 1750) localizadas en España; pues, aunque es más propio para la época denominar Monarquía Hispánica o Imperio español al espacio político gobernado por el rey de España o Su Católica Majestad (los Austrias menores -Felipe III de España, Felipe IV de España y Carlos II de España- y el primer Borbón -Felipe V de España-), la bibliografía suele delimitar el término barroco español a las producciones artísticas de la Corte (en Madrid excepto el breve periodo de 1601-1605 en que estuvo en Valladolid) y a las de los territorios de las Coronas de Castilla y de Aragón y el reino de Navarra  En ese espacio, no homogéneo, también se distinguen escuelas locales,

El barroco es uno de los estilos que conocieron mejor fortuna en España. En ningún otro país se llega a aúna riqueza ornamental tan exuberante ni a un distorsionamiento tan radical de las formas. A diferencia de Italia y de Francia, donde la acumulación de elementos decorativos se lleva a cabo en los interiores, en España esta ornamentación sale al exterior invadiendo las fachadas. Sin embargo, este dinamismo barroco que se siente tan intensamente en lo decorativo, no llega en lo arquitectónico. La concepción general del edificio apenas varia con respecto al renacimiento y las movidas plantas borrominescas no se adoptan en España, salvo en muy contados casos y aun circunstancialmente. Entre los mas grandes creadores del barroco español figuran José Churriguera, Pedro Ribera y Narciso Tome

Características principales de la arquitectura barroca

La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado.

Desde el punto de vista formal, el nuevo estilo manifiesta tanto en los elementos arquitectónicos y decorativos como en el conjunto. Los entablamentos se incurvan y los frontones se partes, y describen curvas, contracurvas y espirales. Este amor desenfrenado por lo curvilíneo triunfa en la columna salomónica, quintaesencia del Barroco.

En cuanto a la decoración, dentro de un proceso general del enriquecimiento progresivo, conserva los temas vegetales corrientes del arte clásico, advirtiéndose desde mediados del siglo XVIII la tendencia a un tipo cada vez mas naturalista. De los temas geométricos heredados del renacimiento, quizás el mas importante sea la tarja que derivo a las mas variadas formas

Por lo general, las formas del barroco son ampolusas, ricas y con predominio de la línea curva bastante cerrada, que da una sensación de voluptuosidad.

Características del Barroco:

·         Predominio de la línea curva, retorcida a veces.

·         Riqueza de colorido

·         Entrantes y salientes

·         Claroscuro

·         Ruptura de estructuras: frontones

·         Gran abundancia de la columna

·         Nuevas columnas: salomónicas (fuste retorcido)

·         Materiales: - Generalmente piedra. - Mármol en las columnas

·         Los elementos constructivos están subordinados a los ornamentales

·         Gran interés por el urbanismo

·         Arcos muy variados. - Sobre todo el de medio punto

·         Abundancia de nichos, hornacinas... - Espacios decorativos. - Muchos ventanales con forma ovoide (oculi) enmarcados

·         Planta: - En el barroco español abunda la planta jesuítica.

·         Gran desarrollo de la arquitectura civil. - Interés por los espacios lúdicos: Jardines de Versalles.

Se empieza a utilizar formas irregulares con mucho movimiento.

Fuertes contrastes de luz y sombra, realizan los efectos que se logran con zonas iluminadas y zonas en penumbra

Riqueza de colorido, Ruptura de estructuras: abundancia de volumen en los materiales (piedra, mármol, y madera)

Columna salominica, fustes retorcidos

Se centra en lo horizontal, no en lo vertical, abandonando la línea recta y jugando con los planos

Edificios religiosos y palacios siguen siendo las construcciones principales, pero surge el interés por los grandes espacios urbanos y lúdicos (aparece el urbanismo como disciplina)

 

Anotaciones de la clase 7 marzo 2011

Alberto Durero: Se inclino hacia la pintura y tenia un diario donde tenia anotano a los demas pintores que conocia. Era mejor dibujante que pintor, sobre todo por sus trazos y grabados. Desde un apintura simple a una más compleja como la Virgen de la Pera hasta la Adoración de la Trinidad, y observaba mucho las expresiones para respresentarlas perfectamente en sus obras.

Leonardo Da Vinci: Además de ser un gran pintor era arquitecto, inventor e ingeniero; se inclinaba por la pintura religiosa ya que era muy común en esa época. Perfeccionó la pintura con perspectivas aéreas en la que el ojo humano pierde el enfoque y la definición de los objetos lejanos. Busco armonizar el color y la sombra, ya que censuraban sus obras por se poco dignas en ese tiempo para la iglesia.

La pintura al fresco es una de las tecnicas de pintura mas antiguas, utilizaban colores como el blanco, negro, rojo, verde, amarillo y azul. Las pinturas las calcaban con una tecnica llamada estafiro, asi realizaban una mejor obra con una manta perforada y al retirarla unian los puntos marcados. La tabla en la que pintaban fue cambiada por el lienzo como una mejor forma de pintar.

La Basílica de San Pedro: Es una de las más grandes talleres de pintura al óleo y también una de las más grandes edificaciones religiosas.

La Sección Áurea y Ejemplos en la Arquitectura

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.

De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618.

El primer paso para la construcción de una teoría de la proporción es tomar una medida básica, que sirva de módulo, a partir del cual se hallarán las restantes magnitudes. A pesar del paralelismo que pueda establecerse entre la matemática y la arquitectura, las teorías de la proporción no afectan la esencia de la arquitectura, no ofrecen ninguna estética general de la construcción. Entre las teorías de la proporción podemos señalar el denominado «número de oro» de Lucca Pacioli, explicado en su obra Divina proportione (1496-1497), la serie Fibonacci estudiada por Leonardo Fibonacci (1171-1230), y el «Modulador» de Le Corbusier. La actual crítica arquitectónica no niega la utilidad de las teorías de la proporción, puesto que resultan útiles para entender la armonía, la adecuación, el orden, pero dicen poco de la significación estética.

Exposición "Técnicas Arquitectónicas del Renacimiento"

TECNICAS ARQUITECTONICAS DEL RENACIMIENTO

INTRODUCCION

•      Uno de los fundamentos arquitectónicos del renacimiento era el resurgimiento de muchas estructuras que habían sido inventadas por los griegos y los romanos, por ejemplo la cúpula, el arco, el capitel con estilo, la bóveda, etc. Todos estos elementos, más el desarrollo de la perspectiva permitieron hacer grandes obras.

Técnica

La perspectiva es un método de dibujo para representar las cosas en el espacio. Dicho de una forma más técnica, se trata de un procedimiento para representar gráficamente objetos tridimensionales y sus relaciones espaciales en una superficie plana. A lo largo de la historia, los artistas han plasmado esto de maneras muy diferentes, porque también se han movido por intereses diferentes.
En general, y hasta el Renacimiento, los artistas querían pintar las cosas, no sólo como las veían, sino también como sabían que eran. Los egipcios, por ejemplo, combinaban una versión de perfil y otra frontal, para representar la figura humana.

Características de la arquitectura renacentista

•      Uso de piedra

•      Mármol

•      Uso de elementos arquitectónicos clásicos

•      Preferencia por espacios centrales

•      Orden y claridad. Proporciones humanas

Elementos constructivos de la Arquitectura renacentista.

Elementos sustentantes:

•      Sustentante continuo: el muro recupera su valor como sustentante. Es frecuente que estén articulados con pilastras, líneas de imposta, etc

•      Sustentantes discontinuos: se utilizan los órdenes clásicos, con preferencia por el corintio. También se usan entablamentos y frontones

Elementos sostenidos:

•      El arco que se emplea es el arco de medio punto.

•      Como cubiertas, se emplea las planas con casetones o bóvedas (de cañón o de arista). La cúpula adquiere un especial protagonismo y va a ser una constante preocupación técnica de los arquitectos renacentistas.

Elementos decorativos:

•      Elementos constructivos para decorar: pilastras, entablamentos...

•      Medallones o tondos (círculos con relieves en el centro).

•      Sillares almohadillados

•      Guirnaldas.

•      Columnas abalaustradas.

•      Conchas.

•      Grutescos (seres fantásticos mezcla de humanos, animales y vegetales).

•      Es frecuente que la decoración se disponga a candelieri (con un eje central en torno al que surgen los elementos ornamentales)

El efecto espacial:

•      Se ha dicho, con razón, que el efecto de una habitación de bellas proporciones tiene que percibirse aunque se camine por ella con los ojos cerrados. La arquitectura renacentista buscó siempre un efecto espacial, nunca visual. En un edificio del Renacimiento nunca se incluirán estímulos para el ojo, independientes y diferentes, que puedan dificultar la captación del conjunto del edificio.
La bóveda, por ejemplo, tiene como decoración las mismas líneas estructurales que la forman, el círculo y los tirantes. Estos últimos, hechos a base de piedra más oscura, decoran la bóveda, a la vez que poseen una función más estructural. En un edificio renacentista, todo tenía que venir determinado por el elemento geométrico más riguroso. Lo importante en un edificio del Renacimiento era la estructura, o sea, aquello que ya estaba dibujado en planta.

Las proporciones humanas:

•      En estas obras de Brunelleschi puede apreciarse otra de las características de la arquitectura del Renacimiento; un sistema de proporciones riguroso e inflexible. Para el Renacimiento, la proporción extraída de los principios del arte clásico era el elemento estético más importante. Así, se utilizó frecuentemente el llamado rectángulo de sección áurea, descubierto por los griegos y usado en el Partenón. De la misma manera, basándose en la autoridad de Vitruvio, se estableció también una armonía entre las proporciones del cuerpo humano y la arquitectura.
Principalmente, se adoptaron los órdenes griegos como elemento arquitectónico. Durante los inicios del Renacimiento, se empleó con mayor frecuencia el orden corintio, más decorativo y ornamentado que los demás. En cambio, durante el alto Renacimiento se usó más la simplicidad del orden dórico. Siguiendo la antigua práctica romana, los arquitectos renacentistas superpusieron con frecuencia los órdenes. Usaban uno diferente para cada planta del edificio, empezando por el más pesado y duro, correspondiente al orden dórico, y ascendiendo hasta el más ágil y decorativo, representado por el orden corintio. Este sistema de proporciones dotaba de unidad a todo el edificio, pero también otorgaba independencia a cada uno de los elementos que lo componían.
La belleza, según Alberti, era la armonía de un conjunto de partes independientes unidas entre sí para formar un todo, del cual nada puede extraerse o añadirse sin perjuicio.

La luz y la sombra:

El arquitecto renacentista buscaba siempre una luz homogénea. En el interior de sus recintos reinaba una luz difusa y uniforme. Por ejemplo, podemos ver un pórtico de entrada que Brunelleschi construyó para unir gradualmente la luz natural con la luz interior, sin tamizarlas.
Se puede afirmar que la forma arquitectónica renacentista es como la del resto de las artes; es decir: lineal, plana, cerrada, hecha de unidades independientes y clara.
El paradigma de la arquitectura renacentista es la cúpula de la catedral de Florencia, de Brunelleschi. En ella el autor utiliza sus conocimientos técnicos, científicos y arqueológicos para crear una obra.

Tipos de edificios en que se aplica la nueva arquitectura renacentista.

•      Los tipos de edificios son muy variados. Predominan los religiosos, con planta longitudinal (cruz latina o basilical), pero abundan también los de planta central (cruz griega o circular).

•      Entre los edificios civiles destaca muy especialmente los palacios, aunque también, la nueva arquitectura se aplica a otras construcciones civiles como hospitales, bibliotecas, etc

•      Planta denominada de cruz latina. Corresponde al diseño utilizado en las iglesias en las que el brazo mayor (que se alinea con el pórtico principal, el atrio, el altar mayor y el ábside) tiene mayor longitud que el brazo menor o transepto; mientras que cuando ambas tienen la misma longitud se habla de planta de cruz griega, uno de los modelos de planta centralizada, muy habitual en la arquitectura bizantina . En cambio, la planta de cruz latina es muy habitual en las iglesias de la cristiandad latina; y particularmente se desarrolló en las iglesias monásticas de los benedictinos medievales  y en las denominadas iglesias de peregrinación del Románico y el Gótico en el Camino de Santiago

Bernini y su Arte

En sus obras artísticas reflejaba mucho la pasión en los personajes representados, observaba y detallaba finamente todos los rasgos de la piel humana, las hojas de los árboles y las expresiones de sus esculturas.

Desde pequeño fue una sensación para todo el mundo y el Papa lo declaró como el próximo Miguel Ángel ya que en sus esculturas captaba los momentos y escenas en sus esculturas, cuando Bernini cumple sus 20 años de edad es llamado por el Papa para convertirlo en un caballero y así darle mucho reconocimiento y respeto a todos los que le rodeaban por sus bellísimas obras de arte.

Burronini era como su enemigo profesional en lo que se refiere a arte, el era un mejor arquitecto que Bernini y ambos crearon la imagen Barroca en Italia. Hubo un competencia por ver quién sería el artista que construyera debajo de la catedral de San Pedro un dosel, Bernini no era un buen arquitecto pero él fue el ganador de este proyecto y Bernini pidió ayuda a Burronini para terminar el dosel pero al final Bernini se quedo con todo el crédito, esto causo la furia de Burronini.

La esposa de bernini se convirtió en su asistente y su mayor inspiración, pero al descubrir que la engañaba con su hermano menor, este se molesto mucho y se vengó persiguiendo a su hermano por toda la ciudad y tomarlo a golpes, mientras que envió a un subordinado a dañar la cara de su anterior amada. Fue arrestado pero después fue liberado por el Papa.

Bernini quería construir una torres en el campanario de San Pedro, así lo hizo pero con advertencias de Burronini de que no era una buena idea ya que la zona no estaba en condiciones para soportar tal peso, pero aun asi construyo una torre pero fue un fracaso ya que dañaba la fachada de la catedral; asi cuando el Papa falleció y tomo su lugar otro Papa este lo corrió del proyecto y derribaron la torre. Al final Burronini se gano todo el trabajo y confianza del nuevo Papa.

Una de sus últimas obras maestras fue la “Éxtasis de Santa Teresa” en la que utilizaba varios de sus elementos y recursos a su disposición, como la pintura escultura y un poco de arquitectura para callar a una que otra persona. La obra representaba a Teresa con mucho placer con el toque de un ángel.